Fotógrafo 3: Richard Avedon / Pablo González

Richard Avedon murió en 2004 con 81 años, dejándonos un legado de fotografías muy avanzadas para su época y muy inspiradoras. Tanto cuando trabajaba para revistas como Vogue como cuando lo hacia de forma individual para editar sus foto-libros siempre mantuvo su capacidad de retratar la personalidad del modelo.

En sus imágenes predominan los fondos blancos, limpios, y cuando no es así siempre son lisos, como si le restaran importancia al modelo. Solo en casos muy concretos (como la famosa imagen con elefantes) toma uso de fondos compuestos y otros elementos.

Al trabajar sobre estos fondos el sujeto toma el papel principal el un retrato en el que comúnmente Avedon con gran astucia lograba captar la personalidad y la forma de ser del retratado. Para esto algunas de sus sesiones se demoraban horas y horas, hasta que el modelo no podía mas. Era ahí cuando Avedon, con el modelo totalmente fatigado y sin energía podía entrar en el y mostrar su verdadera cara, sin poses, sin mascaras, simplemente e verdadero.

En otros casos, como “In the american west”, donde retrata gente cotidiana de América, aunque no recurra a cansarlos el simple hecho de utilizar siempre un fondo blanco hace que las posiciones que adopten los retratados como sus expresiones tomen el control de la fotografía y la dotes de una gran fuerza expresiva.

Con esta fuerza también convive una preocupación sutil por el paso del tiempo; preocupación que introduce elegantemente en muchas de sus fotografías. Esta preocupación se hace mas evidente en “Portraits”, libro en el aparecen una serie de retratos del padre que retratan su inevitable envejecimiento .

Fotógrafo 2: Mario Testino / Pablo González

Mario Testino es uno de los mejores fotógrafos de moda actuales. Su interés por el diseño y por la moda previo a la fotografía hace que sepa desenvolverse y entender perfectamente lo que cada modelo y cada situación puede aportar.

En las imágenes del peruano cabe destacar la simplicidad, sin recurrir a una gran cantidad de atrezzo o a complicados sets de iluminación. Se decanta por unas composiciones casi siempre minimalistas que no por esto pierden su teatralidad ni su sentido de la moda. Así pues también predominan las modelos que muestran fuerza y firmeza, rompiendo con el exteriotipo de fragilidad que se llevaba anteriormente.

El peruano mezcla con éxito lo artístico y lo comercial dando como resultado una obra en la que se entiende perfectamente el mensaje y que es cuanto menos rompedora. A veces juega con colores saturados e intensos que crean contrastes que realzan al modelo. Sin embargo, otras veces opta con composiciones mas sutiles en blanco y negro, haciendo que se realcen las siluetas y las lineas presentes en la imagen.

Le gusta buscar sus musas y convertirlas en modelos de gran fama mundial, como es el caso de Carla Delenvirge, con la que después de trabajar un tiempo fue nombrada modelo del año por por Vogue.

Actualmente compagina su trabajo como fotógrafo en la revista Vogue con ser el retratista oficial de gran parte de la Familia Real Británica.

                                             
                                                                La princesa Diana

   Tom Brandy

Mi fotografía, con Joan Santana

Fotografo 3: Damon Winter - Vanessa Mel Varela

Nació en Nueva York en 1974. Damon Winter es un fotógrafo independiente que reside en Nueva York y está especializado en fotografía documental, editorial, de viajes, fotoperiodismo y retratos. 

Su ensayo fotográfico sobre las víctimas de abuso sexual en el oeste de Alaska fue finalista para el Premio Pulitzer 2005 de fotografía. Se unió a The New York Times en 2007 después de tres años como fotógrafo personal de los tiempos de Los Ángeles. 

En 2009 gano el Pulitzer por su trabajo sobre el presidente Obama.

Dentro de sus trabajos más conocidos se encuentra la serie “Faces” que recopila los rostros de diversas personalidades del mundo del espectáculo.

Actualmente trabaja en el The New York Times, obtuvo en el 2010 el máximo galardón del festival de fotoperiodismo Visa pour l'Image de Perpinyà (Francia)por su trabajo sobre el terremoto de Haití. Este reportero fue el primero del diario estadounidense en llegar a la zona del seísmo.

He querido mencionar a Damon Winter ya que al me resulta muy interesante cualquiera de los estilos en que trabaja, en la gran mayoria de sus fotografias el ser humano tienes un papel importante y casi exclusivo, el modo en que los retrata, con poses llamativas y provocadoras, que no resultan indiferentes al observador, tambien creo que destaca por el manejo de luces y sombras y en el procesado me encantan los tonos contrastados que aplica.

Damon Winter

V. Mel Varela

Fotógrafo 3: Platon Antoniou. || Tania Fdez. de Soto Esteban

Conocido como Platon, es fotógrafo y diseñador gráfico, conocido en todo el mundo por sus fotografías a celebridades del mundo de los deportes, la música, o a las personas más poderosas del mundo.

 

Su obra consta de fotografías muy directas, son retratos aparentemente simples en composición, sin grandes puestas en escena y ni esquemas complicados de iluminación, prima el sujeto, la persona destaca sobre todo lo demás por sí misma, sin necesidad de más accesorios.

 

Por su estudio han pasado personalidades tales como los tres últimos presidentes de los Estados Unidos, George Bush, Barack Obama y Donald Trump, dentro del mundo de la política. O Vladimir Putin, uno de los retratos más significativos de este autor y del tipo de lente que utiliza para realizarlos. Un contrapicado, engrandeciendo la figura del presidente ruso, algo que todavía se destaca más por el uso del gran angular; nos muestra al sujeto con una mirada casi altiva, las manos destacan en primer término, amplificadas por la perspectiva de esta lente, quizá simbolizando el poder que hay en estas.

 

Fue también un retrato de Putin, en este caso un primer plano, la foto con la que ganó el World Press Photo en el año 2008. Pero yo me quedo con la anterior como punto de partida para mi reinterpretación.

http://www.platonphoto.com/

EL LUGAR DONDE VIVO

Donde viven los recuerdos de la infancia.

RETO SEÑALES

Señales que invitan a salir corriendo...

RETO SEÑALES

RETO EL LUGAR DONDE VIVO

RETO AUTORRETRATO

RETO ENMARCANDO

RETO OTOÑO

Seri

(Podedes elexir entre calqueira das dúas propostas). Podedes usar a tipografía que queirades.

Execución, ao longo de dúas horas da imaxe proposta vectorizada, coa axuda da aplicación CorelDraw en formato DIN A4 (210x297mm). Valoraranse os seguintes aspectos.

1.- Correcta entrega dos arquivos (1 punto)

-Configuración do documento de traballo (DIN A4)

-Entrega da imaxe en formato vectorial 

2.-Similitude coa imaxe orixinal proposta (2 puntos)

3.- Traballo con capas e correcta organización das mesmas (1 puntos)

4.- Correcta utilización das ferramentas de debuxo vectorial do programa; especialmente coa pluma e as formas básicas (3 puntos)

5.- Aplicación axeitada de recheos e contornas. Uso da cor (3 puntos)

Fotógrafo III: Salva Valverde / Érika R. Fdez.

"Soy Salva Valverde, y desde hace unos años no he dejado de hacer fotos. Primero de forma amateur, pasándome por conciertos de amigos hasta que fiché por Big Bombo Webzine como responsable de diseño gráfico y fotografía, permitiéndome la posibilidad de fotografiar a grupos como Bad Religion, The Offspring, y un largo etc.

Mis fotografías se han podido ver en la revista Rockzone, así como en la Rolling Stone. Tras especializarme, si es que se puede decir así, en la fotografía de conciertos, decidí seguir desarrollando mi trabajo en otras áreas, como la fotografía de paisajes, retratos y artística.

Llevo ya un tiempo en el que me he alejado de la fotografía de conciertos dadas las limitaciones creativas de dicho formato y también ciertas cosas que acompañan ese mundo, las cuales hacen que la motivación por la fotografía no sea siempre la máxima. Me encanta hacer fotografías de conciertos y es algo que no pretendo dejar de hacer aunque sea en ocasiones puntuales, pero explorar en otro tipo de fotografías en el que la creación sea más personal hace que esté viviendo uno de los momentos de máxima inspiración y ganas". 

En este caso en concreto he considerado muy necesario poner su propia biografía (sí, es copia y pega), pero se refleja exactamente el tipo de persona que es y el tipo de fotografía que realiza, cómo y por qué, que son factores muy importantes a los que él recurre siempre a la hora de realizar sus tomas. Muestra, sin duda, su lado más personal y creativo, pero a su vez, en el caso de los retratos, busca el lado más natural y personal de las personas que retrata, mostrando al espectador lo que los fotógrafos solemos decir "el alma" del fotografiado. Y lo hace de una manera muy peculiar, muy propia y, desde luego, muy agradable. Fondos desdibujados (ya que suele trabajar con lentes teleobjetivo, con diafragmas muy abiertos que permiten ese efecto bokeh increíble en algunas de sus tomas), colores vivos, destacando generalmente la personalidad del retratado. Las fotografías que voy a poner en esta situación pertenece a un proyecto de retratos que está realizando, y están hechas en el Resurrection Fest de Viveiro.

Paula Sesma - Salva Valverde.

Mike Link - Salva Valverde.

El que haya escogido estos retratos en concreto no son casualidad: son personas que tengo el placer de conocer, ambas con un gran corazón, una personalidad muy fuerte, y él los ha retratado de una forma tan natural y tan personal que no hace falta hablar con/de ellos para saber cómo son. Sin duda ésta es una de sus características principales: mostrar a las personas tal y como son.

Pablo González - Érika R. Fdez.

*Nota: Sé que el procesado no tiene nada que ver, puesto que sus fotografías presentan unos colores muy vivos y llamativos que dan cierta atmósfera a la fotografía, pero en este caso he escogido el blanco y negro porque creo que es lo que me identifica a mí personalmente a la hora de hacer retratos. En cuanto a encuadres, composiciones y demás sí que me baso mucho en él, puesto que tiene puntos de partida muy interesantes, pero no siempre coincidimos en el procesado final.*

No solo quiero remarcar esta faceta suya, que no es la única (como él mencionó en su propia biografía). Me encantaría destacar como referencia personal su maravillosa fotografía de paisajes. Cuenta con numerosas series y proyectos en su página web y en su página de Facebook (algunos de ellos audiovisuales, completamente recomendados). Esta en concreto se llama Cantalojas, un pueblo situado en la Tejera Negra, provincia de Guadalajara. Recurre en sus series a estaciones del año como el otoño y el invierno, y muchas veces la luz del amanecer y atardecer, creando una atmósfera muy cálida dentro de un entorno muy frío, destacando los colores característicos del otoño y buscando la belleza de paisajes idílicos que podemos encontrar en nuestro propio país. Composiciones con una destacada profundidad de campo, amplios paisajes y muy variados todos ellos. Sin duda, esta es mi faceta favorita de todas las que realiza, y me ha enseñado mucho (por lo que le estoy muy agradecida y él lo sabe), y estoy segura de que aún tiene que mostrarnos más faceta artística de la que ya tiene. 

De su serie "Cantalojas" - Salva Valverde.

"Marcelle Natureza" - Érika R. Fdez.

Más en sus páginas web:

http://www.salvavalverde.com/

https://www.facebook.com/salvavalverdepd/?fref=ts

Fotógrafo 3 Vincent Munier

Vincent Munier es de todos, mi fotógrafo preferido.

De origen francés nació en Les Vosges en 1976, gracias a su padre (biólogo de profesión) aprendió a ver, respetar y amar la naturaleza que le rodeaba cuando era joven, lugar en el que todavía reside cuando no está viajando por el mundo.
Vincent ha recorrido medio mundo, pero es famoso por sus trabajos en el norte del globo, la foto que acompaña este artículo pertenece a su último trabajo "Arctique", impreso que le llevó 2 años de viajes por el circulo polar, retratando osos polares, lobos árticos y demás fauna de la zona.
Dentro de las fotografías de Munier me gustaría destacar esa faceta artística que no se suele ver tanto en la fotografía de naturaleza, pero que él maneja y demuestra en todas sus fotografías.

Tiene página web y redes sociales, con un trabajo muy personal y muy recomendable:
http://vincentmunier.com/indexflash.html
https://www.facebook.com/Vincent-Munier-Photographer-149204661768766/

En una de las entrevistas que le realizaron para Nikon dijo estas palabras:

"Siempre me han atraído a lugares remotos. De hecho, he estado fotografiando estos lugares y las criaturas que viven allí desde que era un niño. 
La naturaleza es como una droga para mí, y es vital que tenga acceso a ella tan a menudo como sea posible. Incluso podría decir que mi carrera fotográfica se desarrolló como una forma de volver a la naturaleza lo más a menudo posible: me permite ver estos lugares, compartir mis experiencias y ganarse la vida, todo al mismo tiempo. 
Gracias a mi padre, desarrollé un respeto por la naturaleza cuando era muy joven, y sólo ha crecido más fuerte a medida que he crecido. Mi padre me enseñó a amar al mundo natural, pero no a interferir con él. La naturaleza puede ser tan frágil, y la humanidad puede perturbar, o destruir, grandes franjas de ella con muy poco esfuerzo, así que cuando estoy en el campo, trato de dejar la huella más pequeña que pueda".

"Pareja de espátulas en Cospeito"- Actualmente España posee una de las mayores colonias de esta especie a nivel europeo.



La manera de pensar de Vincent es un espejo en el que me miro cada vez que salgo al campo a realizar mis fotografías.

Fotógrafo 3. Han Hopman

                                               

Han Hopman es un fotógrafo holandés y uno de mis  referentes personales  de la fotografía en general y de vacas en particular. Fotógrafo, editor y cofundador del más prestigioso magazine especializado en este tema a nivel internacional: Holstein International con una tirada mensual de miles de ejemplares en 6 idiomas y más de 60 de países. Aficionado desde temprana edad a las vacas,  y también  a la fotografía,  en cuanto recibe de niño como regalo una cámara fotográfica.

 Ya como fotógrafo trabaja durante años  para distintas publicaciones del sector  americanas y europeas  hasta que en 1.994 decide co-fundar su propia revista en la que publica sus fotografías además de ser uno de los editores jefe. Comienza su carrera  profesional  como  "side shot photografer" (fotos de vaca de lado), pero el hecho de convertirse en copropietario del magazine le permitió avanzar en una dirección más experimental y artística, con menos condicionantes previos y  más libertad y creatividad en las tomas. Defensor de la fotografía natural , trata de retratar a los animales con sus propietarios en actitudes relajadas y  positivas, no forzadas , tratando de comprender al animal para captar esos momentos naturales.

Trabaja en digital normalmente, pero ha vuelto a determinados procesos de revelado antiguo con diversos materiales, últimamente experimenta con el  aluminio.

Es como digo referencia internacional en este tipo específico de fotografía  y para mí en concreto lo es por diversos motivos: su interés por el comportamiento animal , la espontaneidad y  naturalidad  de sus trabajos, , los puntos de vista y encuadres diferentes (son habituales sus tomas tumbado en el suelo con marcados contrapicados), las esmeradas  composiciones, y hasta por la propia evolución y discurrir de su carrera profesional, con la que encuentro ciertas similitudes . 

   

www.holsteininternationalphotos.com

Fotógrafo 2. Junichi Hakoyama

El fotógrafo japonés Junichi Hakoyama es un maestro en la captura de misteriosos transeúntes contra telones de fondo donde líneas, luces, sombras y simetría forman majestuosas y surrealistas fotos. Figuras solitarias que atraviesan escenarios urbanos sin interés ni impacto especial y cuyo principal atractivo recae en  la composición. Junichi Hakoyama parece encontrar belleza en esta oscuridad minimalista, explorando las líneas geométricas de la ciudad a través de un sutil despliegue de luces y sombras. Esta imagen arquitectónica en blanco y negro de alto contraste parece inspirada por la atmósfera del cine negro: la profundidad y la intriga a través de imágenes oscuras con sólo una figura oscura que denotan una escena dramática.

Lugares anónimos o elementos arquitectónicos  como una escalera de cemento, un paso de cebra o un  patrón de adoquín geométrico  asumen la profundidad y la intriga en las imágenes limpias y de alto contraste de Hakoyama. Un simple cruce se convierte en una obra maestra artística, una escalera aparentemente aburrida se transforma en una forma escultórica. Es la presencia de una figura humana oscura que pasa caminando, la que carga las escenas con drama . La luz y las sombras son el único compañero de esta silueta solitaria

El fotógrafo japonés da un nuevo significado y dimensión a la fotografía callejera. Con su Leica M Monochrom produce imágenes en blanco y negro de alto contraste  donde la composición geométrica y la perspectiva asumen cualidades metafísicas, superando nuestra experiencia física para entrar en el ámbito de la abstracción. Me llegó la información sobre este fotógrafo  en forma de mail, me interesé por él y por la corriente llamada  " minimalismo callejero abstracto" que representa a personajes solitarios en las calles de Tokyo y que exploran otros como Hiroharu Matsumoto y la verdad es que desde entonces veo la calle de otra manera, en blanco y negro, con sus marcadas  líneas geométricas, su minimalismo, su calma, la presencia de  la figura humana y la importancia de las luces y al sombras. Dice Hakoyama que una imagen ha de ser  en primer lugar sencilla, no contener demasiada información para dejar paso a la imaginación, después contener luces en las que concentrar la imaginación y sombras que supriman información innecesaria,  y por ultimo incluir a la figura humana como cauce para que vuele la imaginación del espectador. Luz, sombra y persona. Capturar los tres elementos en un instante, esa es la función del fotógrafo, según Hakoyama.

  http://junichihakoyama.tumblr.com/

                                                          Junichi Hakoyama

                                                                          Mauricio de los Santos

                   

Examen

https://we.tl/AtmGWcQmfM

III FOTÓGRAFO: ANDREAS GURSKY.

 Este fotógrafo alemán nacido en 1955, perteneciente a la Escuela de Dusseldorf o Escuela de Becher,en sus comienzos adopta un estilo próximo al de sus maestros, Bernd y Hilla Becher, quienes desarrollan a finales de los 50 una nueva estética fotográfica caracterizada por temas de arquitectura industrial anónima y abandonada, que hoy es conocida como la nueva objetividad.

Sus fotografías, de gran formato y ricas en color y detalle, representan con frecuencia lugares de convivencia humana mercantilizados: edificios de viviendas que parecen colmenas, grandes almacenes repletos de objetos consumibles,e incluso los propios mercados financieros. Está claro que su obra refleja la realidad de la globalización, la standarización y la cosificación, la sustitución de la individualidad por el gregarismo.

Todo ello lo capta con una estética impecable, colorista, trepidante, geométrica. Sus repeticiones o serializaciones aportan un ritmo a las imágenes característico de este artista, que en la actualidad es uno de los más reconocidos y cotizados.

 

                                                    París Montparnasse- 1993. Andreas Gursky.

                                                    Patricia Camanho.


www.andreasgursky.com

Gursky y el capitalismo

Fotógrafo 3: Óscar Monzón

"Encontramos en Karma –primer libro del fotógrafo que ha sido premiado en el mundo entero y que inmediatamente ha permitido su reconocimiento internacional– características de la dinámica de una nueva fotografía española, particularmente brillante y anclada en el documental, que explora con pertinencia las estéticas contemporáneas para indagar en nuestras sociedades."

Getxo Photo - Festival ibérico fotográfico de primera fila -

Hablamos hoy en esta, ya famosa, columna, de un fotógrafo nacido en el 81, en el Reino de España, concretamente en Málaga. Un fotógrafo que no llega a los 40 años y ya puede presumir de ostentar el Gran Premio PhotoBook Paris Photo-Aperture 2013 (lo más), con su photobook KARMA; un fotógrafo español contemporáneo (suena el himno), joven y emprendedor (fundador del colectivo Blank Paper, más de 10 años ya disparando y formando fotógrafos) - lágrimas de orgullo patrio - ... el gran Óscar Monzón. (gran ovación)


Su trayectoria respecto a la fotografía es la siguiente: estudia fotografía en la escuela Arte 10 de Madrid, completa su formación en talleres con Stephen Shore, Martin Parr y Joan Fontcuberta, expone en el Conde Duque, Antigua Tabacalera y otros centros culturales de renombre aquí y más allá de los mares, es finalista en Descubrimientos de PhotoEspaña 2011... pega un bombazo con KARMA... ¡boom! ra-ta-ta-ta ¡boom! ...la vida fotográfica sigue como fotógrafo de prensa y profe de foto ...

En KARMA Monzón penetra con su cámara en la falsa privacidad de uno de los símbolos de nuestra sociedad: el automóvil. Unas fotografías incómodas y desafiantes. Cuenta la leyenda que en el principio todo fue oscuridad: "Yo no voy a abrir esta maqueta porque me parece una vergüenza que vengas con esto aquí", le dijeron en un visionado de portfolios ... después de 5 años 5 de curre en el proyecto siguió moviéndolo ... Óscar creía en Monzón ... como debe de ser: "Si tienes una idea, aunque no sea muy buena, pero trabajas todos los días sale algo cojonudo, seguro. Sólo pensando no se llega a ningún sitio." dice ahora a sus pupilos.

"En principio era una serie centrada en la idea de la intimidad. El hecho de que se entienda el interior del coche como si fuese una extensión del hogar. Con una cámara y un flash potente de noche intentaba invadir eso para ver cómo reacciona la gente. Yo quiero que la cámara sea evidente, quiero que sea un ataque frontal y que la gente tenga derecho a reaccionar. También para hablar de fotografía. De los límites de lo que puedes fotografiar, de lo que no."

Sí, estás pensando lo que yo, a Óscar le va la marcha, y el te lo cuenta (y no se lo inventa): que si insultos, que si te reviento la cámara, que si tal que si cual ... él ironiza y se lo toma con humor: no era fotógrafo de guerra y siempre...siempre...siempre se peleaba (y se pelea) con las fuerzas del orden (o cualquiera) que el diga: fotos no.


Su trayectoria vital ni la sabemos ni nos importa ... aunque tiene bastante que ver con aquel que en la noche barcelonesa llamaban el gran masai blanco ... Aleix Vergés ... Sideral (D.E.P.) ... pero ésta es otra historia (por cierto, contada de forma brillante en el libro "Sideral. Estrella fugada" de Héctor Castells)

Una nota anecdótico curiosa para el único lector (lectora, en este caso) que llega hasta el final de esta rompedora columna. Querida Noe, sí... William Klein es su máxima influencia :)

".. al ver el libro, creo que William Klein es quizá lo que mejor está representado, en la manera de maquetar, en la agresividad con la que fotografía… Es el primero a hacer foto de calle en la cual a él se le ve en el lugar. La gente mira a la cámara, se tapan, le apuntan con una pistola… Se empieza a ver el baile del fotógrafo en el sitio, cómo él cambia la realidad. Hay cierta relación con esa visión apocalíptica que da de Nueva York; con humor pero de manera negativa,

 diferente al cliché de la época."

Sonando de fondo: no...no podía ser otra que "Las canciones no tienen nombre (nadie es mejor que nadie)" ... la genialidad con la que Aleix iba a abrir su disco en su incursión en el pop ...


I M P O R T A N T E


¿Por qué Óscar Monzón? Además de por su maestría, por su influencia en la nueva serie que estoy preparando, aún sin título y que choca frontalmente con la idea de Monzón de invadir esa intimidad. Conocía su libro por el 2014 y fui uno de esos que enrabietó en plan "ya le vale, cómo se pasa bla bla bla" ...no entendía nada, la verdad... ahora mi opinión es más favorable, casi elogiable, hacia este trabajo...hacia KARMA ... pero aún así me he ido a la calle bajo premisas distintas: que no se vea la cámara, nada de flash, nada de caras totalmente identificables (en la medida de lo posible), destacar los brillos y las sombras, captar la emoción de esa intimidad que se vive en el coche ... sí... toda la mierda poética que critíca Monzón... qué le vamos a hacer ... aún así creo que seríamos buenos amigos ...


Aquí una muestra de lo que ando haciendo:

Fotógrafo 3: Markus Hartel. Andrea López Parapar.

Markus vino al mundo en un pequeño pueblo minero de Alemania en 1970. Mientras tanto, los que serían sus futuros referentes: Winogrand, William Klein, Friedlander… ya callejeaban por las calles de New York con sus cámaras telemétricas entre las manos.

Pasó a ser el fotógrafo oficial de su familia a los 7 años, tras regalarle su abuela la primera cámara. Aún así, de pequeño soñaba con ser Arquitecto Naval, mientras su familia prefería que tuviese un trabajo de oficina.

El camino que quiso andar le llevó al diseño, realizando las prácticas en una imprenta de su pueblo, pues no podía aspirar a más, y dónde también aprendió tipografía. Una piedra apareció en su camino: el servicio militar, que le obligó a detener su formación en la imprenta, pero no dentro del ejército, pues prosiguió con impresión topográfica de mapas.

Al volver, se independizó. Montó su propio estudio de diseño, dónde todo le fue bien hasta que llegó el mundo digital. Tras cerrar su negocio, siguió subiendo escalones con trabajos en Chicago y en New York.

Fue al llegar a New York cuando decidió comprar su primera cámara: una réflex Canon. Estaba tan maravillado con la ciudad y sus gentes, que sus escapadas fotográficas a la hora de comer pasaron a mañanas, tardes o noches.

Había encontrado en la fotografía un espejo dónde la tecnología, el arte y el diseño se daban la mano.

Markus Hartel

En ese momento, con la llegada de los Blogs, decidió mostrar su trabajo al mundo. Y así, su afición le llevó a la cima. Comenzó a recibir tanto solicitudes de entrevistas, como para publicar sus trabajos en diferentes países. Incluso para dar talleres de fotografía callejera en New York de la mano de Leica. Seguidamente, publicaron una obra suya en una cartelera electrónica que tenía Kodak en Times Square.

Es considerado uno de los fotógrafos urbanos contemporáneos más relevantes desde que publicaron su obra en Street Photography Now (2012).

No tardó en tomar la decisión de vivir de la fotografía. Y así fue, pues además de crear apps, imparte talleres personales de fotografía callejera.

Actualmente fotografía momentos decisivos en las calles de New York con una Leica M4, no le gusta trabajar con dos cámaras y prefiere un 35mm a un 50mm. Según cuenta en varias entrevistas, lo que hace es colocar la cámara a la altura de la cintura y disparar sin mirar. Capturando así luces, rostros y toda la belleza del momento inesperado.

Markus Hartel

Su trabajo, no es técnicamente exquisito -asegura- pero es terriblemente bello. Con el paso del tiempo ha buscado complicar cada toma, buscando siempre la originalidad en cada composición. Aún tratándose de un estilo que roza lo clásico consigue una tremenda fuerza visual retratando la espontaneidad y sin alterar la escena con su presencia, intentando siempre contar una historia con cada imagen. Se caracteriza también por combinar el uso del color con el mítico blanco y negro utilizado en fotografía callejera. 

                                                   Markus Hartel

Le da muchísima importancia a la edición del propio trabajo y mover las obras por redes sociales. Trabaja con Lightroom dedicándole el tiempo necesario a cada imagen. Cuenta en sus entrevistas la importancia de separar en el tiempo la sesión de fotos del momento de descartarlas y editarlas, pues en el momento de hacerlas considera que existe una mayor implicación emocional, y si esperas un tiempo se crean otras conexiones que pueden llevar a series fotográficas fascinantes.

Se pueden ver más trabajos suyos aquí:

# www.markushartel.com

# www.flickr.com/photos/mhartel/

Andrea López Parapar